De la Joconde à Titanic, quand l’œuvre d’art devient icône de la pop culture
Transformées en tee-shirts, sacs, coques de téléphones et tasses, certaines œuvres d’arts sont entrées dans la pop culture pour l’immortalité. Utilisées par la société de consommation, ces icônes finissent placardées dans des campagnes de publicité et ainsi enregistrées à jamais dans notre inconscient. Nous voulons par la suite visiter les musées, véritables sanctuaires où sont exposées les versions originales des œuvres.
Comment expliquer le succès de certaines œuvres ? Pourquoi adorons-nous la Joconde ? Sont-elles devenues célèbres seulement pour la quintessence de leur beauté ? A travers quelques exemples, découvrons les mystères de simples œuvres d’arts devenues sacrées. Après avoir lu cet article, tu auras de nouvelles raisons de te la raconter à l’apéro.
Victoire de Samothrace
Découverte en 1863, la statue piqua tout de suite la curiosité et l’attention se porta sur les parties manquantes de son corps. Officiellement exhibée pour la première fois au Louvre en 1883, la sculpture resta inaperçue dans un coin sombre du musée avant d’être déplacée dans l’escalier Doru. Cette nouvelle position dominant l’espace restaura l’autorité de la statue. Afin d’accentuer davantage son statut de divinité, elle fut embellie d’un piédestal qui augmenta sa hauteur et ainsi sa gloire.
Nous ne fûmes pas les seuls impressionnés par la grandeur de Nike. En 1929, le sculpteur français Abel Lafleur créa le premier trophée pour la compétition de football World Cup, en s’inspirant de la statue bien sûr.
En 1971, ce fut au tour d’une designeuse américaine, Carolyn Davidson, en charge d’inventer le logo de la nouvelle campagne de Blue Ribbon Sports. Mais si, vous connaissez forcément cette célèbre marque de sport qui changea quelques années plus tard son nom pour celui de la statue, Nike. La même année, en 1978, Paul McCartney s’inspira de l’œuvre pour la pochette de son album.
Enfin, l’image la plus marquante de toute une génération est la scène de Titanic sur la proue du paquebot.
La Création d’Adam – Michelangelo Buonarroti.
Commencé en 1508 et terminé en 1512, Michelangelo acheva le plafond de la chapelle Sixtine au Vatican. Pas moins de 300 peintures nous font tordre le cou, et la plus célèbre, La création d’Adam, y est localisée à peu près au milieu de la pièce, endroit où tous les regards convergent. Le geste de Dieu y est audacieux pour l’époque, insinuant que ce dernier créa Adam en le sculptant de ses propres mains. La chapelle devint une académie ou peintres du monde entier venaient y admirer l’œuvre pour essayer de trouver l’inspiration et aussi en faire des reproductions pour des collections privées. L’arrivée de la photographie permit la dissémination de l’image dans toutes les sphères de la société. Depuis, le geste est devenu le symbole de l’histoire de l’humanité et se retrouve aussi bien sur l’affiche du film E.T qu’en image principale des écrans de téléphones portables Nokia « Connecting People ».
Le Cri – Edvard Munch
L’histoire de ce tableau ressemble à un film d’action. Volé en 1994 pendant les J.O organisés à Oslo, puis à nouveau en 2004, le tableau
reçut une incroyable couverture médiatique. Déjà en 1892, une exposition de l’artiste à Berlin avait été fermée pour obscénité. Ce scandale eut au moins le mérite d’offrir une grande visibilité ainsi que le soutien d’une partie de la communauté artistique.
Mais avant tout, nous apprécions ce tableau car c’est l’archétype de l’homme contemporain tourmenté par ses angoisses et nous avons tous nos propres peurs. Le visage de l’homme est depuis imprimé à jamais dans nos mémoires.
Avant de n’être reproduit que sur des goodies, on l’a aperçu sur l’affiche des films Pink Floyd, The Wall, Maman j’ai raté l’avion et surtout Scream.
Mona Lisa – Leonardo Da Vinci
Le mystère. Telle est la principale raison du succès du tableau. Mystère autour du sourire, de son exécution, de l’année, de son destinataire et surtout de l’identité de son sujet. Rien ne perturbe la peinture, il n’y a qu’elle et nous en interlocuteur direct, absorbé par ses regard et sourire mutin.
Étonnamment aucune « Jocondemania » ne fut signalée avant la seconde moitié du 19ème siècle. Napoléon déménagea l’œuvre de sa chambre au palais des Tuileries puis l’intégra définitivement au musée du Louvre. Bien mal lui en prit, le 21 août 1911, le peintre en bâtiment Vincenzo Peruggia s’empara de la toile. Le vol devint une extraordinaire opportunité pour la dissémination de l’image du tableau en une des journaux français. Le Petit Parisien vendit un million de copies de son numéro en un seul jour.
Quand le musée ouvrit à nouveau le 30 août, les parisiens s’y ruèrent en masse pour contempler le mur vide. Vincenzo fut enfin arrêté après avoir essayé de revendre l’œuvre à un antiquaire florentin qui alerta immédiatement les autorités. Finalement, Mona Lisa retourna au Louvre après une tournée triomphante de deux jours en Italie en 1913.
Encore plus célèbre que Johnny Hallyday, il fallait bien des haters pour se moquer de la toile. Marcel Duchamp dessina une Joconde avec moustache intitulée L.H.O.O.Q ou plus poétiquement « Elle a chaud au cul ».
Salvador Dali fit un montage avec son propre visage à la place de celui de Mona Lisa afin de tourner en dérision le ridicule mythe autour de l’œuvre sacrée de Léonard De Vinci.
Andy Warhol la transforma en simple objet de consommation en démultipliant l’image de l’image car, comme le dit son titre : « trente valent mieux qu’une ».
Enfin, en 1990, l’artiste corporelle française Orlan dénonça le star system de l’œuvre en ayant recours à la chirurgie esthétique pour se faire le même front que la Joconde.
Aujourd’hui, on n’arrive plus à essayer de décrypter le sourire de Mona Lisa, caché derrière d’innombrables perches à selfie, et si même Beyoncé et Jay Z commencent à s’y mêler…
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